Елизавета Шашина. «Выхожу один я на дорогу...»

 В разные годы к стихотворению Лермонтова обращались и профессиональные авторы, и музыканты-любители. Среди них — Пётр Булахов, Константин Вильбоа, Николай Огарёв, сказавший, что лермонтовские строчки «так изящно выражены, что их можно не только читать, их можно петь». По мнению историка Василия Ключевского, композитору, читающему «Выхожу один я на дорогу», не составит труда «подобрать мотивы и звуки при переложении на ноты». 

Более двадцати композиторов написали на эти стихи музыку, а живет лишь одна мелодия, написанная Елизаветой Шашиной. Удивительное получилось произведение в единстве интонации текста с пленительной музыкой. Долгие годы "Выхожу один я на дорогу" считалась народной песней. И только в 1964-м, когда отмечался лермонтовский юбилей, ведущая концерта со сцены пятигорского театра объявила: "Романс "Выхожу один я на дорогу". Музыка Елизаветы Шашиной".

Она была на девять лет старше поэта, и, вероятно, они были знакомы. Композитор Георгий Васильевич Свиридов был уверен, что Лермонтов слушал романс именно в ее музыкальной редакции и одобрил его. В последующие годы Елизавета Сергеевна много раз перерабатывала мелодию, пока не остановилась на той, которую опубликовала в 1861 году и которую мы все знаем и любим.

Обе дочери дворцового декоратора Сергея Николаевича Шашина, украшавшего интерьеры петербургских особняков Строгановых, с детства любили музыку и прилежно ее изучали. Старшая, Елизавета, утратив прекрасный голос от тяжелой болезни, посвятила себя исключительно изучению теории музыки и композиции. Выступала с концертами, став замечательной пианисткой и аккомпанируя младшей сестре, певице Аделаиде Сергеевне Шашиной. Выступления их пользовались большим успехом. Аккомпанируя сестре, разучивая и перекладывая множество романсов для нее, Елизавета Шашина начала сочинять и собственные. Их более полусотни...

Елизавета Сергеевна скончалась в 1903 году, в возрасте 97 лет. А романс "Выхожу один я на дорогу" стал ниточкой, связывающей русских изгнанников первой волны с любимой Родиной.

Таривердиев Микаэл Леонович «Песня о далёкой Родине».

 Таривердиев Микаэл Леонович Родился в армянской семье. Учился в музыкальной школе-десятилетке при Тбилисской консерватории по классу фортепиано, в музыкальном училище Тбилиси по классу композиции профессора Шалвы Мшвелидзе. 

По настоянию матери он поступил в Ереванскую консерваторию, в которой проучился полтора года. За это время он учил армянский язык и неплохо им владел. С 1953 по 1957 учился в Московском музыкально-педагогическом институте имени Гнесиных (класс композиции А. И. Хачатуряна), а дебютировал композитор в Большом зале Московской консерватории, где его романсы исполнила Зара Долуханова.В 1958 году дебютировал в кинематографе, в фильме «Юность наших отцов». 

В фильме «Вокзал для двоих» экранизирован этот эпизод его жизни. 

В 1983 году познакомился с Верой Гориславовной. Вместе они прожили 13 лет. В 1993—1996 годах являлся художественным руководителем Благотворительной программы «Новые имена». Основатель и президент Гильдии композиторов кино Союза кинематографистов России. 

Автор четырёх опер, в том числе «Кто ты» (для театра Б. Покровского, 1966), «Граф Калиостро» 1983, «Ожидание» 1985, четырёх балетов (В ЧАСТНОСТИ - балет «Девушка и смерть» (по М. Горькому, 1975), музыки для органа — три концерта для органа, 10 хоралов «Подражание старым мастерам», симфония для органа «Чернобыль» (1988), фортепианного трио, цикла пьес для фортепиано «Настроения», вокальные циклы на стихи Л. Н. Мартынова, А. А. Вознесенского, Б. А. Ахмадулиной, М. И. Цветаевой и многого другого. 

Написал музыку к фильмам «Семнадцать мгновений весны», «Ирония судьбы, или С лёгким паром!», «Мой младший брат», «Король-Олень», «Человек идёт за солнцем», «До свидания, мальчики!», «Старомодная комедия», «Любить». Всего — к 132 фильмам, более 100 романсов, инструментальные концерты. Его музыка использована в фильме «Исаев». 

Умер в сочинском санатории «Актёр», похоронен на Армянском кладбище Москвы.

«Семна́дцать мгнове́ний весны́» — советский 12-серийный художественный телефильм Татьяны Лиозновой. Сценарий написал Юлиан Семёнов на основе своего одноимённого романа. Военная драма о советском разведчике, внедрённом в высшие эшелоны власти нацистской Германии. Музыка к фильму написана композитором Микаэлом Таривердиевым, слова песен — поэтом Робертом Рождественским. По словам Таривердиева, он и Рождественский написали для фильма цикл из 12 песен — по одной на каждую серию. Но такое обилие песен показалось режиссёру излишним, и в фильм в итоге вошли только две из них — героическая «Мгновения» и лирическая «Песня о далёкой Родине».

Юргенштейн "Испанская серенада"

 Олег  Оскарович Юргенштейн — доцент кафедры хорового дирижирования Института музыки, театра и хореографии РГПУ им. А. И. Герцена, Заслуженный учитель России. Сочинения О. О. Юргенштейна всегда отличаются выразительной подачей литературного текста, что помогает раскрытию содержания вокально-хоровых партитур и придает эмоциональную окраску их разучивания и исполнению. Их ритмическая, гармоническая и интонационная сфера всегда вызывала большой интерес у исполнителей и слушателей, погружая в колорит музыкальных и поэтических образов. Необыкновенную эмоциональную атмосферу в сочинениях Олега Оскаровича создают не только яркая вокально-хоровая фактура и поэтический текст, но и красочность фортепианного сопровождения, которому не чужды иногда даже элементы внешней декоративности. Острые ритмические фигурации аккомпанемента придают музыке приподнятое настроение и динамическое развитие, что делает произведения О. О. Юргенштейна живописными и красочными.

«Испанская серенада» - пьеса для женского хора и двух фортепиано. Именно для двух, а не для одного, так как игра двух пианистов на двух фортепиано, причем более в среднем регистре, создает тот импровизационный блеск, который, как нельзя лучше соответствует виртуозной игре испанских гитаристов.

Поэтической основой сочинения стала миниатюра испанского поэта золотого периода испанской литературы дона Луисаде Гонгоры-и-Арготе (1561-1627), о поэзии которого с восторгом отозвался в своем поэтическом терцете величайший из мировых писателей, его старший современник Мигель де Сервантес Сааведра (1547-1616)

Музыкальное искусство Испании настолько ярко и самобытно, что отзывается в каждом, кто прикоснулся к нему сердцем.

Хоровой стиль А. С. Даргомыжского

 Александр Сергеевич Даргомыжский — русский композитор, один из

основоположников реалистического направления в русской музыке. Работал он в

таких жанрах, как опера, симфония ,камерный. Также, одним из основных жанров

является вокально-хоровой.

Для хорового стиля А. С. Даргомыжского характерны следующие черты:

 Крестьянская народно-песенная основа. Использование подлинных народных мелодий и

текстов. 

 Контрастный фон в хоровых сценах, помогающий развитию сюжета. 

 Колорит звучания, ритмическое и темповое разнообразие. 

 Напевность хорового фантастического мира, близость к городскому романсу. 

 Использование хорового речитатива. Композитор разработал новые виды национально-

характерного речитатива, ввёл в русскую музыку социально-типическую речевую интонацию. 

 Динамичность и подвижность гармонического языка. Преобладающее применение

простых аккордов-трезвучий и их обращений. 

 Разнообразие динамики. Палитра динамики охватывает оттенки от pp до ff, используются и

сопоставление нюансов, и постепенное развитие их. 

 Простота и разнообразие ритмики. Метрика представлена двухдольными и трёхдольными

размерами.

Новаторство Даргомыжского в хоровом жанре заключается в следующем:

 Создание нового рода музыки. Критика отмечала, что композитор «создал новый род

музыки» — музыку для хоров малого состава. 

 Начало светского хорового пения a-cappella в России. Своими «Серенадами»

Даргомыжский положил эту традицию. 

 Обогащение традиционного российского канта. Создавая музыку для вокальных

ансамблей или хора, Даргомыжский шёл по пути традиционного жанра застольных песен,

домашнего ансамблевого музицирования, обогащая его чертами романса и песни. 

 Развитие русского речитатива. Даргомыжский разработал новые виды национально-

характерного речитатива, ввёл в русскую музыку социально-типическую речевую

интонацию. Он создал различные типы речитативов: комически-характерный, бытовой,

лирико-психологический.

А. С. Пушкин «Зимний вечер»

 А. С. Пушкин написал «Зимний вечер» во время ссылки в Михайловское. В 1824 году поэт вернулся из южной ссылки, был полон надежд на встречу с друзьями и свободную жизнь, но не успел вполне насладиться светским обществом, как был обвинен в вольнодумстве и отправлен на два года в родовое имение. В имении Пушкин оказался изолированным от внешнего мира, а его отец был вынужден взять на себя роль надзирателя, в их отношениях нарастала напряженность. Осенью 1825 года семья поэта переехала в Москву, и он провел зиму в Михайловском лишь в обществе няни Арины Родионовны. В стихотворении «Зимний вечер», созданном зимой 1825 года, прослеживаются автобиографические мотивы.  

Пейзажная лирика А. С. Пушкина составляет основу творчества поэта. Она часто выступает фоном для авторских размышлений, тем самым являясь частью философской лирики. Часто пейзажные зарисовки в произведениях А. С. Пушкина демонстрируют единство человека и природы, взаимность их настроений, целостность законов мироздания. Пушкинская природа — мудрый учитель, друг или сила, способная объединять людей. 

В стихотворении «Зимний вечер» природа играет значительную роль. Образ бури многозначный, противопоставленный ощущениям лирического героя. 

Стихотворение «Зимний вечер» — одновременно пейзажная лирика и произведение о несвободе и важности теплого общения с близким человеком. Для Пушкина таким человеком была его няня Арина Родионовна. 

Первая строфа начинается с описания бури, которую слышит лирический герой. Он наблюдает, как снежные вихри кружат за окном, чутко воспринимает каждый звук непогоды. Буря становится главным персонажем первой строфы и еще не раз упоминается после.

Во второй строфе появляются образы дома и няни. Через описание избы и обращения к няне в этой части передаются одновременно и ощущение уюта, и подавленное настроение героя.

В третьей строфе лирический герой, чтобы развеять печаль, предлагает старушке выпить и спеть для него. Песни напоминают ему о счастливом детстве и приносят умиротворение его сердцу.

В последнем восьмистишии повторяется описание снежной бури и обращение к няне, оба мотива замыкают кольцевую композицию. 

Посвящается празднованию 80-й годовщины Победы в Великой Отечественной Войне

"И все о той весне" 

Сводный хор финалистов Всероссийского конкурса хоровых и вокальных коллективов

Всероссийский конкурс школьных хоров и вокальных коллективов

 В этом году в конкурсе приняли участие более 123 000 человек в составе 7 974 вокально-хоровых коллективов из 84 субъектов Российской Федерации. В финал вышли 1000 юных вокалистов в составе 53 коллективов из 30 регионов нашей страны.

Вокально-хоровые коллективы соревновались в таких номинациях, как «Школьный хор «Песни моей страны», «Вокальный ансамбль «Музыкальный калейдоскоп», «Семейный коллектив «Связь поколений: любимые песни моей семьи», а также в специальной номинации «Песни Победы», которая вошла в план основных мероприятий по подготовке и проведению празднования 80-й годовщины Победы в Великой Отечественной войне 1941–1945 годов, утвержденный Правительством Российской Федерации.

Торжественная церемония награждения финалистов состоялась 8 апреля в ВДЦ «Орлёнок». Сразу три хоровых коллектива из образовательных учреждений Санкт‑Петербурга стали призерами Всероссийского конкурса хоровых и вокальных коллективов:

- вокальный ансамбль мальчиков «Доброслав» школы №8 с углубленным изучением предметов музыкального цикла «Музыка» Фрунзенского района (первые места в специальной номинации «Песни Победы» и номинации «Вокальный коллектив «Музыкальный калейдоскоп»);

- старшая группа хора «Тутти» школы с углублённым изучением предметов музыкального цикла «Тутти» Центрального района (третье место сразу в двух номинациях: «Школьный хор «Песни юности» (старшая группа, 15–17 лет) и специальной номинации «Песни Победы») 

-  вокальный ансамбль Второй Санкт‑Петербургской гимназии в номинации «Вокальный коллектив «Музыкальный калейдоскоп» (старшая группа, 13–17 лет) занял третье место в номинации «Вокальный коллектив «Музыкальный калейдоскоп»

Булат Окуджава

Булат Окуджава был солдатом, учителем русского языка и редактором. Он писал стихи и прозу, сценарии к фильмам и книги для детей. Но самым счастливым днем своей жизни Окуджава считал тот, когда он сочинил свой первый стих.

Булат Окуджава — человек, в судьбе которого отразился весь XX век: строительство коммунизма, репрессии, Великая Отечественная война, «оттепель», развал СССР и рождение новой России в 90-е годы.

Булат Окуджава встретил войну подростком, и как все его друзья, отчаянно рвался на фронт. Ему было всего 17, когда он впервые услышал взрывы снарядов и прошёл боевое крещение. «Потом уже, впоследствии, когда я стал писать стихи, первые мои стихи были на военную тему». Поэт ненавидел войну и считал её «противоестественной», ведь она отнимала у людей жизни и право быть счастливыми. Многие стихи Окуджавы стали песнями. Только грустными, ведь «ничего весёлого в войне нет».

Песни Б. Окуджавы, ознаменовали собой, целую эпоху, и сегодня они не потеряли ни своей остроты, ни актуальности. Причина проста - Окуджава был главным «сентименталистом» бардовской среды. Мало чьи песни могут соперничать с его по проникновенности, лиричности, и особенной интимности. Особенность восприятия творчества Окуджавы в том, что каждый человек чувствует его своей «личной собственностью», каждый уверен, что Окуджава поёт для него и о нём. Исполнение лирических стихотворений Окуджавы под гитару - это даже не песня, а скорее уютный рассказ собеседнику о чём-то очень важном.

"До свидания, мальчики"

«Колядка дивчат» из оперы «Майская ночь» Николая Римского-Корсакова

 

Литературная основа оперы «Майская ночь» Николая Римского-Корсакова

— одноимённая повесть Н. В. Гоголя «Майская ночь, или утопленница» из сборника

«Вечера на хуторе близ Диканьки». Идея повести Николая Гоголя «Майская ночь, или

Утопленница» пришла на основе впечатлений от жизни на Украине. Также автор использовал

малороссийские предания, песни и мифологические народные представления, которые в

изобилии бытовали на его малой родине. Также в основу сюжета легли рассказы матери и других

родственников, которые писали Гоголю письма и с присущим им народным языком

рассказывали о тех событиях, что у них произошли. Все эти истории и некоторые слова автор

переписывал себе, чтобы потом использовать для создания своих рассказов.

«Колядка дивчат» является частью оперы «Майская ночь». Она звучит в конце первого акта,

развивая интонации зовов-заклинаний, возникающих в инструментальных рефренах первой

обрядовой сцены — хороводной игры «Просо». Значение колядки в том, что она подготавливает

наиболее важные, «узловые» моменты сюжета. В тексте колядки намечаются смысловые

параллели между образами Оксаны и Царицы, что предваряет сцену обещания царских

черевичек, обозначающую завязку путешествия Вакулы. 

Оксана замечает на одной из девушек новые черевички (сапожки). Она жалуется, что никто не

сделает ей такой подарок. В ответ на готовность Вакулы достать любые черевички, Оксана,

издеваясь, требует таких, что сама царица носит. Девушки обступают Вакулу и смеются над ним.

Достанет Вакула черевички — выйдет замуж за него Оксана, а нет — пусть уходит.

Н. В. Гоголя повесть «Майская ночь, или Утопленница»

 

Никола́й Васи́льевич Го́голь   — русский прозаик, драматург, критик,

публицист, классик русской литературы. Один из самых известных русских

писателей. Николай Гоголь писал в жанрах романа, рассказа и комедии. Но

самым излюбленным жанром писателя была повесть. Одним из самых

известных произведений является сборник «Вечера на хуторе близ

Диканьки», в который вошла повесть «Майская ночь, или Утопленница».

Гоголевская манера повествования основана не на формах книжного стиля, а на

устном «сказе», на живой разговорной речи. Вот почему его рассказчик, наряду с

небылицами, приводит много бытовых и комических подробностей, самые

фантастические приключения передает необычайно конкретно, подчеркивая

жизненные детали и комические штрихи.

Для литературного стиля Гоголя характерны следующие особенности:

 Неоднородность языка. Писатель смешивал русскую и украинскую речь,

высокий стиль и жаргон, вкрапляя архаизмы и неологизмы в речь как

действующих лиц, так и в авторскую. 

 Детализация. Детали помещичьего и чиновничьего быта выписаны

автором так подробно, что создают впечатление полного

жизнеподобия. 

 Смех с множеством оттенков. Юмористический, сатирический,

иронический, саркастический, каламбурный, приправленный анекдотом и

фарсом. 

 Приближение прозы к поэзии. В изобилии встречаются многосложные

предложения, сравнительные обороты, эпитеты.

 Олицетворение. Перенесение на неживой предмет каких-либо качеств

живого.

 Использование ключевых слов. Целые сцены могут быть построены на

игре значений. 

 Система иносказаний. О предмете говорится не впрямую, а с помощью

новоизобретённых речевых оборотов. 

 Эмоциональность и лиричность. Гоголь допускает прямые обращения

автора к читателю.

Главный сказочник русской музыки

 Н. А. Римский-Корсаков -  всемирно известный композитор, создатель композиторской школы, востребованной и в настоящее время, профессор консерватории без консерваторского образования. Его называют самым «народным» автором, который черпал вдохновение в русской природе, напевах родной земли, сюжетах былин, легенд и сказок. Римский-Корсаков  работал в крупных жанрах, таких как опера, симфония и сюиты. Новаторство Римского-Корсакова в музыке

1. Программность: Римский-Корсаков активно использовал программность в своем творчестве, что позволяло ему создавать музыку, которая была тесно связана с сюжетом и образами.

2. Симметричный лад: Композитор изобрел симметричный лад, который придавал его музыке фантастическое звучание и расширял возможности гармонического языка.

3. Эксперименты с системами лада: Благодаря своему цветному слуху, Римский-Корсаков наслаждался экспериментами с различными системами лада, что позволяло ему создавать уникальные и разнообразные музыкальные произведения.

Самым главным жанром в творчестве является опера. Отличительными чертами его стиля являются:

• Разнообразие жанровых, драматургических, композиционных и стилистических решений. Композитор вводил подзаголовки, чтобы подчеркнуть своеобразный жанровый облик оперы: «весенняя сказка» и «осенняя сказочка», «быль-колядка» и «небылица в лицах», «опера-былина» и «опера-балет».  

• Симфонизация жанра. Она выражена в последовательном и драматургически целенаправленном развёртывании, в вокальной и оркестровой фактуре интонационных сфер, в их взаимодействии и переплетении.  

• Гибкость и разносторонность в использовании оперных форм. Композитор применяет традиционные сольные, ансамблевые, хоровые оперные номера, а также постоянно обращается к сценам сквозного развития.  

• Опора на русский музыкальный фольклор. Композитор вводит в свои произведения подлинные народные песни и создаёт собственные мелодии в духе народных.  

• Объективность тона и преобладание эпических принципов драматургии. Лирика композитора всегда искренняя и в то же время лишённая эмоциональной напряжённости, спокойная, цельная и несколько созерцательная.  

Оперный стиль Римского-Корсакова в «Майской ночи» проявился в следующих аспектах:

• Разнообразие музыкального содержания. Наряду с лирическими сценами в опере представлены комедийно-бытовые и фантастические эпизоды, картины народных обрядов. 

• Использование народных песен. В ряде случаев композитор цитирует народные песни — например, хор «Просо», песня девушек «Завью венки».  

• Сопоставление двух миров. Реальный и потусторонний миры встречаются в купальскую неделю, в таинственную ночь летнего солнцеворота. Посредником между мирами выступает певец: именно Левко встречается с Панночкой, помогает ей и получает помощь от неё.  

• Пародирование «серьёзных» жанров и форм. Музыкальная характеристика комических персонажей основывается на пародировании «серьёзных» жанров и форм. Например, Писаря характеризует гротескный военный марш, а страх Головы, Винокура и Писаря, принявших Свояченицу за нечистую силу, передаётся элементами такого серьёзного жанра, как фуга. 

Приглашение на концерт

 

27.01 25 в 14.00 в Малом зале Филармонии состоится концерт театра "Родом из блокады", посвященный 81-ой годовщине снятия блокады Ленинграда. В концерте примет участие старшая группа хора "Тутти". Вход свободный.

За залпом залп.

Гремит салют.

Ракеты в воздухе горячем

Цветами пёстрыми цветут.

А ленинградцы

Тихо плачут.

Ни успокаивать пока,

Ни утешать людей не надо.

Их радость

Слишком велика –

Гремит салют над Ленинградом!

Их радость велика,

Но боль

Заговорила и прорвАлась:

На праздничный салют

С тобой

Пол-Ленинграда не поднялось.

Рыдают люди, и поют,

И лиц заплаканных не прячут.

Сегодня в городе –

Салют!

Сегодня ленинградцы

Плачут...

(Юрий Воронов "Салют над Ленинградом")

С Днем хорового искусства

 

Музей Суворова . История

 Собрание Суворовского музея изначально формировалось преимущественно за счет даров почитателей памяти полководца. В основе фондов музея лежат три большие коллекции.

В 1900 году Владимир Владимирович Молоствов (1863 — ?), потомок Суворова и владелец села Кончанское, подарил музею подлинную суворовскую Кончанскую церковь со всем убранством и хранившиеся в ней награды полководца, его подзорную трубу и даже первую надгробную плиту, установленную на могиле Суворова в день похорон 12 мая 1800 года. Это – первая по значению коллекция музея.

Вторая коллекция – множество суворовских документов, подаренных музею Императором Николаем II в 1902–1904 годах, от курьерских паспортов сержанта Суворова до черновиков писем о его приезде в Петербург 23 апреля 1800 года, включая патенты на чины и грамоты о пожаловании титулов. Кстати, знаменитая картина Сурикова «Переход Суворова через Альпы», пребывающая сейчас в собрании Русского музея, тоже была подарена Императором Суворовскому музею.

Третья коллекция – это знаменитое собрание известного астронома и поклонника суворовского таланта Василия Павловича Энгельгардта (1818 — 1915), собиравшего реликвии, связанные со Швейцарским походом полководца. Тринадцать ящиков общим весом в 955 кг были присланы им в адрес музея в 1902 году. Эта коллекция получила название «Суворовский сборник Энгельгардта». В его составе ядра, оружие и предметы снаряжения, найденные на местах боев, модели памятников, воздвигнутых в Швейцарии, гравированные портреты сподвижников и противников Суворова, образцы альпийских минералов и даже чучело альпийского орла. Самой же ценной составляющей этого собрания является альбом фотографий, запечатлевших путь суворовской армии спустя столетие после похода.

Большой зал Петербургской филармонии (история)

 Зал, где ныне располагается Филармония, был построен в 1839 году архитектором П.Жако (фасад спроектировал К.Росси) для Дворянского собрания Петербурга.

Первоклассный по акустике зал, вмещающий более 1500 человек, с конца 1840-х годов стал центром музыкальной жизни Петербурга. Здесь выступали известные музыканты ХIX века: Ф.Лист, Г.Берлиоз, Р.Вагнер, Г.Малер, А. Рубинштейн, К.Шуман, П.Виардо, П.Сарасате и многие другие. Здесь же впервые прозвучали многие сочинения классиков русской музыки Бородина, Мусоргского, Чайковского, Римского-Корсакова, Глазунова...

12 июня 1921 года состоялось торжественное открытие Петроградской филармонии. В короткое время Филармония развернула многостороннюю концертную, музыкально-лекционную и издательскую деятельность, чему способствовало наличие фундаментальной библиотеки. Основным исполнительским коллективом стал симфонический оркестр Филармонии (ныне Заслуженный коллектив России). В течение полувека (1938-1988) этим оркестром руководил выдающийся отечественный дирижер Е.А.Мравинский, с  1988-2022 художественным руководителем и главным дирижером оркестра являлся один из самых известных и ярких современных дирижеров Ю.Х.Темирканов. Его сменил Николай Алексеев.

Сейчас Большой зал Петербургской филармонии - один из лучших концертных залов Европы. Выступать в нем считается почетным и престижным. Многое изменилось в концертной жизни зала, иные имена украшают его афиши, но, как и прежде, он является, по словам знаменитого литературоведа и артиста Ираклия Андроникова, "одним из лучших мест на земле."

ИСТОРИЯ СОЗДАНИЯ ПЕСНИ «КАЗАКИ В БЕРЛИНЕ»

     Песня «Казаки в Берлине» – первая, рождённая в мирный день, в день Великой Победы 9 мая 1945 года! Она как бы завершила долгий и трудный путь, начатый в те суровые дни, когда впервые прозвучала «Священная война», звавшая на смертный бой с фашизмом, бой, закончившийся в столице поверженной гитлеровской Германии Берлине.
     Автор песни – участник Великой Отечественной войны поэт Цезарь Соломонович Солодарь (1909 – 1992). В качестве военного корреспондента он присутствовал на подписании Акта о безоговорочной капитуляции фашистской Германии и её вооруженных сил в предместье Берлина Карлсхорсте. Цезарь Солодарь написал стихи под впечатлением эпизода, свидетелем которого оказался.
     ...Ранним утром 9 мая 1945 года на одном из самых оживлённых берлинских перекрёстков, заваленном покорёженной фашистской техникой и щебнем, лихо орудовала флажком-жезлом молодая регулировщица. Десятки берлинцев наблюдали за её размеренными и властными движениями, которые ещё более подчеркивали строгость военной формы, её походную простоту.
     «Вдруг послышался цокот копыт, – рассказывает поэт Цезарь Солодарь автору книги «Друзья-однополчане» (изд. 1973) А.Е. Луковникову, – мы увидели приближающуюся конную колонну. Большинство коней шло без сёдел. И только на флангах гарцевали молодые конники в кубанках набекрень. Это были казаки из кавалерийской части, начавшей боевой путь в заснеженных просторах Подмосковья в памятном декабре сорок первого года.
     Не знаю, о чём подумала тогда регулировщица с ефрейторскими погонами, – продолжает Цезарь Солодарь, – но можно было заметить, что на какие-то секунды её внимание безраздельно поглотила конница. Чётким взмахом флажков и строгим взглядом больших глаз преградила она путь всем машинам и тягачам, остановила пехотинцев. И затем, откровенно улыбнувшись молодому казаку на поджаром дончаке, задиристо крикнула:
     – Давай, конница! Не задерживай!
     Казак быстро отъехал в сторону и подал команду: «Рысью!»
     Сменив тихий шаг на резвую рысь, колонна прошла мимо своего командира в направлении канала. А он, прежде чем двинуться вслед, обернулся и на прощание махнул рукой девушке...»
     Через два – три часа Цезарь Солодарь улетел в Москву и уже в салоне военно-транспортного самолета набросал первые строчки будущей песни. В полдень он прочитал стихи братьям-композиторам Покрассам – Даниилу Яковлевичу (1905 – 1954) и Дмитрию Яковлевичу (1899 – 1978) – бывалому первоконнику. Стихи братьям очень понравились, и по их предложению были «усилены» лихим припевом:
                Казаки, казаки!
                Едут, едут по Берлину
                Наши казаки.

     Вечером композиторы позвонили поэту и сказали, что музыка готова, и он может приехать посмотреть, но домой придётся возвращаться пешком, так как метро скоро закрывается. Солодарь приехал – песня была готова. Таким образом, песня «Казаки в Берлине» была написана всего за один день – 9 мая. Вскоре в исполнении участника Великой Отечественной войны Ивана Дмитриевича Шмелёва (1912 – 1960) она прозвучала по радио. Песню услышали миллионы радиослушателей, она стала одной из популярных, её подхватили и запели по всей стране.

Малый зал филармонии. Интересные факты

 

 

Санкт-Петербургская филармония – старейшая в России, ей уже около двух столетий. Она ведёт свою историю от Петербургского филармонического общества, возникшего в 1802 году. В 1824 им была организована мировая премьера «Торжественной мессы» Бетховена.

 В настоящее время филармонические концерты проходят в двух залах: Большой зал размещается в здании бывшего Дворянского собрания, Малый зал – в бывшем доме Энгельгардта. Малый зал имени М.И.Глинки Санкт-Петербургской академической филармонии имени Д.Д.Шостаковича – один из лучших камерных залов в мире, обладающий уникальной акустикой. Зал, сыгравший особую роль в мировом музыкальном искусстве. История концертного зала на Невском, 30 (ныне – Малый зал филармонии) началась в конце XVIII века с появлением в России француза Лиона, который по приезде в Санкт-Петербург арендовал дом на углу Невского и Екатерининского канала у наследников князя Голицина. После смерти Лиона дом Голициной приобрел богатый откупщик М.Кусовников. У него в 1805 году филармоническое общество Санкт-Петербурга взяло помещение в эксклюзивную аренду. Следующий владелец дома В. Энгельгардт, женившийся на дочери Кусовникова, получил дом в приданое и приспособил его для концертов по образу парижского Пале Рояль. Здесь устраивались балы и маскарады, с 1802 года проводились концерты первого в России Филармонического общества. В этих стенах состоялись мировые премьеры оратории Гайдна «Сотворение мира» (1802) и «Торжественной мессы» Бетховена (1824).

В первом в Петербурге музыкальном салоне госпожи Энгельгардт собирался весь цвет столицы: В.Жуковский, А.Пушкин, М.Лермонтов, И.Тургенев, А.Рубинштейн, П.Виардо… Всё это имена, без которых невозможно представить историю дома Энгельгардта. Блестящие маскарады в доме Энгельгардта были столь популярны, что их посещали даже члены царской семьи, а Михаил Лермонтов поместил в интерьеры особняка действие драмы «Маскарад»… Дух творчества, дух искусства не угас в этих стенах и в веке двадцатом . 15 мая 1949 года состоялось торжественное открытие Малого зала Санкт-Петербургской филармонии, и с тех пор он носит имя великого русского композитора Михаила Ивановича Глинки.

Государственная академическая капелла Санкт-Петербурга

 Государственная академическая капелла Санкт-Петербурга – старейшее отечественное профессиональное музыкальное учреждение, определившее своей деятельностью становление и развитие всей русской профессиональной музыкальной культуры. Здесь впервые в России последовательно возникали все основные направления музыкального исполнительства и музыкального образования.

Датой рождения Капеллы принято считать 12 августа 1479 года, когда основанный великим князем Московским Иваном III хор Государевых певчих дьяков принимал участие в службе освящения Успенского собора, первого каменного храма Московского Кремля.

Певчие постоянно находились при государе и обеспечивали разнообразные нужды двора: участие в богослужениях, сопровождение государей при паломничестве, в гостевых визитах и военных походах, пение на торжественных приемах и обедах, при наречении на царство, в дни тезоименитств и крестин. Помимо музыки, певчие обучались грамоте и наукам. Первоначально в хоре пели только мужчины, но с середины XVII в. с развитием многоголосного пения в составе хора появились мальчики.

В 1701 году Петр I переименовал хор Государевых певчих дьяков в Придворный хор. Певчие постоянно сопровождали государя в его поездках и военных походах. Вся последующая биография хора связана уже с Санкт-Петербургом. Петр I много времени проводил в обществе своих певчих, заботился об их быте, сам следил за своевременным пополнением творческого состава, часто исполнял в хоре партию баса. Свидетельство тому – многочисленные записи в походном журнале, указы императора, сохранившиеся нотные хоровые партии, правленые рукой Петра.

За время своей деятельности Капелла явилась важнейшим источником музыкального просвещения в России, крупной профессиональной школой, воспитавшей многие поколения дирижёров, композиторов, певцов и исполнителей на оркестровых инструментах. Многие годы жизни и творчества выдающихся музыкальных деятелей – Глинки, Римского-Корсакова, Балакирева, Бортнянского, Аренского, Ломакина, Варламова и других – были связаны с Капеллой.

М.Ю. Лермонтов “Когда волнуется желтеющая нива”

 

История создания               

В 1837 году после написания стихотворения “Смерть поэта”, посвящённого гибели А. С. Пушкина, М. Ю. Лермонтов был заключён под стражу на время расследования дела и принятия решения по нему. В петербургской тюрьме были созданы чудесные строки стихотворения “Когда волнуется желтеющая нива”. Поэт писал его угольками на бумаге, в которой заворачивали пищу. Именно там, в заключении, он прочувствовал всю прелесть единения с природой, наслаждения простым, но не всем доступным свободным миром природы.

Объёмный образ пейзажей, относящихся к разным временам года, подчёркивает то, что написанное было не результатом наблюдения за подобной картиной, а замыслом, созревшим в воображении автора. В 1840 году было опубликовано в сборнике стихотворений М. Ю. Лермонтова.

Тема

Связь природы и духовного мира человека. Сочное, яркое описание природы подытожено философским выводом и душевными переживаниями лирического героя. Проблематика – без связи с природой, которая даёт человеку энергию и силы для жизни, невозможно полноценно существовать. В этом стихотворении мир природы является своеобразной дорогой к духовному становлению, к пониманию и единению с Богом. Идея – человек может пережить минуты счастья в единстве с природой, она – проводник человека, его связь с божественной силой.

Именно это хотел показать автор, он осознал эту истину, когда простое любование родной природой было для него недоступно. Воспоминания из беззаботного детства, лучшие пейзажи, запечатлённые в памяти автора, передаёт лирический герой в стихотворении. Лирический герой наиболее ярко раскрывает своё присутствие в последней строфе, когда признаёт своё утешение и осознание счастья в единении с природой. Для него она невидимый мостик к Богу, к душевному покою и утешению от тревог.

Композиция

Стихотворение представляет собой четыре строфы (по 4 стиха в каждой), объединённых синтаксически в одно предложение – период. Это делает его особенно динамичным. Зависимые части предложения – это всё стихотворение за исключением последней строфы. Они ведут в результату, философскому признанию лирического героя о том, что происходит в его душе, когда “волнуется нива”, “кивает ландыш”, “лепечет сагу ключ”. Все три первые строфы начинаются со слова “когда”, последнее четверостишие – “тогда”, которое подчёркивается анафорой во втором стихе (Тогда смиряется души моей тревога, тогда расходятся морщины на челе,— и счастье я могу постигнуть на земле, и в небесах я вижу бога).

  В первых трёх четверостишиях автор рисует волнующие картины природы, в последней строфе – внутренний мир лирического героя.

Стихотворение написано шестистопным ямбом (в последнем стихе 4 стопы), иногда они “теряются” из-за длинных слов, это создаёт особый ритм и стих, характерный для многих стихотворений Лермонтова.

Жанр

Это лирическое стихотворение пейзажного характера с философским обобщением в последней строфе. Его нельзя считать просто пейзажным, из-за присутствия в последней строфе основной мысли, выражено философской направленности. К только философской лирике стихотворение также отнести нельзя, оно содержит полноправный пейзажный сюжет, прекрасный по своему содержанию.

Средства выразительности

В произведении Лермонтова много ярких эпитетов (“свежий лес”, “сладостная тень”, “малиновая слива”, “смутный сон”, “таинственная сага”, “студёный ключ”, “душистая роса”, “румяный вечер”, “серебристый ландыш”, “златой час”, “мирный край”) чем оно заметно выделяется среди остальных стихотворений этого периода. Очень живо предстают перед читателем картины, описанные автором, благодаря его художественной “щедрости”. Стихотворение полно олицетворений: “нива волнуется”, “слива прячется”, “ландыш кивает головой”, “ключ играет и лепечет”.

ВОКАЛЬНОЕ И ХОРОВОЕ ТВОРЧЕСТВО Н.А. РИМСКОГО-КОРСАКОВА

 

Из камерных сочинений Римского-Корсакова наибольшую художественную ценность представляют романсы (всего 79). Они образуют самостоятельную, почти не соприкасающуюся с оперно-симфонической тематикой и стилистикой область творчества, замкнутую главным образом в сфере лирики — эмоционально уравновешенной, окрашенной преимущественно в светлые тона спокойной созерцательности или элегические раздумья. Их тексты свидетельствуют о строгом взыскательном вкусе композитора. Они принадлежат крупнейшим поэтам — Пушкину, А. К. Толстому, А. Н. Майкову; ряд романсов написан на стихи Л. А. Мея, А. А. Фета, Г. Гейне, Дж. Байрона.

Ранние романсы (1865—70) включают художественно совершенные образцы пейзажной и восточной лирики Римского-Корсакова: «На холмах Грузии», «Ель и пальма», «Восточный романс» («Пленившись розой, соловей»), «Как небеса твой взор блистает» и др. Лучшие романсы 60-х гг. раскрывают творческую индивидуальность автора: гармоничность его мироощущения, тонкое поэтическое чувство природы, стремление к законченности и единству выражения. Однако в их решении ощущается влияние балакиревских приёмов: основой музыкального замысла нередко становится фортепианная партия, которая и определяет общий характер романса, а иногда непосредственно отражает образы стихотворения с помощью красочно изобразительных деталей гармонии и фактуры. Декламационная вокальная партия при этом более тесно связана с особенностями синтаксической структуры и выразительного произнесения текста.

Романсы 70—80-х гг. близки ранним, но в целом уступают им в непосредственности и яркости образов, что более всего заметно при обращении композитора к драматическим, психологически насыщенным текстам («Заклинание», «Для берегов отчизны дальней»).

Особенности стиля романсов 90-х гг. во многом определяются поисками новой вокальной выразительности. Поздние романсы при всём их разнообразии отличаются от ранних иной направленностью самого творческого процесса. Исходным звеном и одновременно основой музыкального образа становится вокальная партия, в которой композитор стремится слить воедино естественную декламацию (следующую «за изгибами текста») с широкой кантиленой, обладающей пластической завершённостью и самоценной красотой. Фортепианное сопровождение, как отмечает сам Римский-Корсаков, «складывалось и вырабатывалось после сочинения мелодии». Эти тенденции получили наиболее полное и законченное выражение в романсах-элегиях: «О, если б ты могла», «О чём в тиши ночей», «Редеет облаков летучая гряда», «Ненастный день потух».